ÓHá cem anos, no mês passado, o poeta André Breton, de 28 anos, escreveu o Manifesto Surrealista, livrando-se do “reino da lógica”, invocando “a pretensão de civilização e progresso” e anunciando “a omnipotência do sonho”. Breton queria nada menos do que uma nova realidade – que pudesse derrubar um mundo moldado pela religião, pelas escolas e pelos governos – procurando verdades dentro de si: “A resolução futura destes dois estados, sonho e realidade […] em uma espécie de realidade absoluta, uma surrealidade.” Para criá-lo, ele e sua crescente gangue de escritores e artistas parisienses recorreram ao inconsciente, à espontaneidade, à criação automática e aos jogos colagistas.
Duas exposições marcam o centenário do manifesto na Grã-Bretanha este mês, dando uma ideia de quão lúdicos e difusos têm sido os frutos do grito de guerra de Breton. Em Territórios Proibidos: 100 Anos de Paisagens Surreais no Hepworth Wakefield, você pode encontrar jovens artistas que ainda hasteiam a bandeira do movimento ao lado de algumas de suas obras históricas exclusivas. Estes incluem os misteriosos terrenos baldios de Salvador Dalí cheios de telefones aleatórios, pedras que mudam de forma e relógios derretidos, e o clássico jogo filosófico de René “chapéu-coco” Magritte, onde uma paisagem pintada dentro de uma paisagem pintada riffs na alegoria da caverna de Platão. Há também a pintura de Max Ernst usando arranhões no piso para sugerir madeiras emaranhadas assombradas por seus medos e fantasias de infância, e as fusões animal-humanas de sua ex-parceira Leonora Carrington, no estilo de conto de fadas.
Não muito longe do Hepworth, The Traumatic Surreal, no Henry Moore Institute, em Leeds, irá investigar como as artistas feministas de língua alemã usaram o surrealismo para abordar o fascismo e o género nas décadas após a Segunda Guerra Mundial. Aqui, tendências violentas e impulsos animais irrompem em perturbadoras criações híbridas psicossexuais. Ao lado da coorte do pós-guerra, inclui o trabalho de Méret Oppenheim, uma das várias mulheres que se juntou ao clube dos meninos do movimento na década de 1930 e criadora daquele ícone surrealista inicial, a xícara de chá de pêlo selvagem.
Estas seguem uma série de exposições globais que celebram os grandes sucessos do surrealismo, como Imagine! 100 Anos de Surrealismo, a enorme pesquisa que abriu nos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica em colaboração com o Centro Pompidou em Paris no início deste ano, bem como os seus diversos florescimentos, sejam artistas surrealistas da diáspora africana na Arte Moderna Museu de Fort Worth ou a importância do movimento para o cinema como a recente temporada na Dundee Contemporary Arts. Todas estas exposições enfrentam de alguma forma a questão: “O que queremos ver no surrealismo hoje?” como diz Eleanor Clayton, curadora de Territórios Proibidos.
Muitos pontos de comparação desagradáveis entre o mundo de Breton e o nosso dão urgência a essas retrospectivas. Como outros escritores e artistas de sua geração, Breton queria cortar laços com uma sociedade que fazia com que os jovens fossem destruídos ou perdessem a cabeça nas trincheiras. Seu espírito revolucionário particular foi aceso quando ele trabalhou com vítimas de choque em um hospital psiquiátrico e passou para as novas teorias psicanalíticas de Freud. Tal como aconteceu com o absurdo movimento dadaísta que o surrealismo seguiu, a sua ênfase no acaso e na ilógica foi uma resposta a um mundo enlouquecido. Agora, como então, estamos a lidar com convulsões épicas, com o colapso climático a juntar-se aos horrores da guerra, às consequências de uma pandemia e a uma maior consciência das crises de saúde mental.
As questões ambientais são um dos focos dos Territórios Proibidos, motivadas em parte, como explica Clayton, pelos escritos surrealistas de Leonora Carrington sobre “O que constitui a vida e o que diferencia plantas e animais, humanos e não-humanos? Quais são as nossas responsabilidades para com o planeta?” A perspectiva feminista antifascista em The Traumatic Surreal é também especialmente premente, dado que as visões de extrema-direita que arruinaram a Europa na década de 1930 foram novamente impostas à política dominante, enquanto os ataques aos direitos reprodutivos das mulheres nos EUA ameaçam as liberdades.
Há uma grande diferença, porém, que torna a longevidade do movimento ainda mais notável. Hoje, os sobressaltos do surrealismo – os empresários que chovem do céu, o telefone lagosta – já não têm o choque do novo. Em vez disso, a estranheza surrealista que faz você parecer satura tudo, desde a TV infantil até comerciais e vídeos pop. Essa mudança começou já na década de 1930, quando visões oníricas e objetos fetichistas foram incorporados à moda, com designs como o chapéu de sapato de Elsa Schiaparelli, publicidade como o pôster “cabeça nas nuvens” de Zero para o óleo Shell e móveis, começando com o de Dalí. Sofá de lábios Mae West.
É sobretudo graças aos esforços de Dalí que o surrealismo é o único movimento modernista que se tornou verdadeiramente popular. Na década de 1940, ele abraçou alegremente a cultura de massa desenhando capas de revistas, criando aquela sequência de sonho assustador em Spellbound, de Hitchcock, e transformando-se em uma personalidade da mídia com um bigode maluco que é sua marca registrada. Nos anos que se seguiram, seus tropos característicos reproduzidos incessantemente, como os relógios e as girafas em chamas, foram reduzidos a clichês. Embora Breton abominasse a comercialização de Dalí, ele não foi o único responsável pela perda de força do movimento original. Breton também fugiu da Europa para os EUA em 1941, seguindo Ernst, André Masson e outros. Com a dispersão dos artistas proeminentes do surrealismo, o movimento não conseguiu fornecer uma resposta coerente à guerra.
E, no entanto, aspectos do surrealismo inicial ainda falam alto para os jovens artistas. Como Mark Polizzotti sublinhou no seu recente livro Why Surrealism Matters, o foco mudou dos irmãos do surrealismo original para “surrealismos não ocidentais, surrealismos fluidos de género, surrealismos racialmente diversos”. Dentro dos Territórios Proibidos, Clayton está usando a paisagem como uma forma de mapear a evolução desde as primeiras explorações de misteriosos interiores psíquicos até como as estratégias surrealistas estão agora sendo usadas para investigar questões que vão desde a identidade sexual até os direitos dos animais e das plantas. “O surrealismo abriu a porta para desafiar o status quo”, reflete o curador. “Principalmente na paisagem, que tradicionalmente pretendia ser um documento fiel da realidade objetiva. Está dizendo que talvez não exista realidade objetiva! Isso foi muito libertador para os artistas do passado e continua sendo até hoje.”
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O surrealismo inicial, como o interesse de Yves Tanguy pelo biomorfismo, formas orgânicas rodopiantes que podem fluir intuitivamente da mão de um criador e sugerir o colapso das fronteiras físicas e mentais, ecoa ao longo das décadas. Um caso atípico entre os surrealistas britânicos das décadas de 1940 e 1950, o pintor ocultista Ithell Colquhoun, por exemplo, criou paisagens corporais com uma confusão de órgãos internos e externos, geologias costeiras vibrantes psicodélicas, mundos botânicos e subaquáticos. Estas foram colocadas em comunhão com as esculturas de aço fluido do artista não-binário Ro Robertson, residente na Cornualha, evocando a mudança entre a costa e o mar. Para ambos os artistas, a paisagem é uma forma de explorar como o gênero é construído e confuso.
O programa também investiga questões geopolíticas. Incluída em uma seleção de fotografias egípcias de Lee Miller, sua célebre imagem de 1937 do deserto vista através de uma parede de tenda rasgada, Retrato do Espaço, transforma a vista árida em uma zona limite. Normalmente é lido como um comentário sobre a divisão entre consciência e inconsciência, mas suas implicações políticas são reveladas por sua combinação com The Gulf Project de 2019, de Wael Shawky, esculturas e desenhos que fundem a arquitetura do Oriente Médio com os corpos de criaturas fantásticas. Ambos sugerem como o significado de um lugar é escorregadio, adquirido através do que a imaginação humana lhe impõe, incluindo na obra de Shawky, as nossas histórias e mitos.
The Traumatic Surreal oferece um dos exemplos mais sucintos de gerações posteriores usando o surrealismo para seus próprios fins. A primeira onda do movimento trouxe à tona um ponto de vista distintamente masculino, seja nas pilhas fálicas de pedras de Dalí ou nos bonecos sem cabeça de duas pontas de Hans Bellmer. Aqui, os objetos fetichistas e as sublimações são repensados feministas, como acontece com o busto em forma de coração dos seios de uma mulher, da artista austríaca Renate Bertlmann, com uma navalha cirúrgica saindo de um mamilo, ou com o vídeo do luxemburguês Bady Minck, no qual uma mulher mostra um literalmente língua peluda.
Para a curadora, a historiadora de arte Patricia Allmer, esta obra também é claramente antifascista e nasce da história recente do nazismo nos países de origem dos artistas da exposição. “A feminilidade e a maternidade foram muito importantes para a ideologia nacional-socialista”, diz ela. “Quando as mulheres fazem um protesto feminista nestes países, é sempre um protesto contra o fascismo.”
O facto de a relevância do surrealismo não ter terminado quando as suas figuras originais desapareceram ou os seus tropos se tornaram obsoletos talvez não deva ser surpresa. Polizzotti ressalta que nunca se tratou de um estilo específico, mas de “um estado de espírito”. Sucessivas gerações que se libertaram dos antigos decretos recorreram repetidamente à visão de Breton de libertar a autodescoberta e a imaginação. Como escreveu no seu manifesto, a viagem aos “territórios proibidos” seria uma “excursão perpétua”.
O Surreal Traumático está no Instituto Henry Moore, Leeds, até 16 de março; Territórios Proibidos: 100 Anos de Paisagens Surreais está no Hepworth Wakefield, hoje.
