UM muita coisa aconteceu desde a última Trienal Ásia-Pacífico em 2021, quando foi inaugurada, silenciosamente, durante os bloqueios de fronteira da Covid em Queensland. Além de uma pandemia global, Trump ganhou um segundo mandato, eclodiram duas grandes guerras e as alterações climáticas avançaram de forma sombria, com inúmeros fenómenos climáticos extremos e recordes de temperatura quebrados.
Talvez não seja nenhuma surpresa, então, que o outdoor que anuncia a 11ª Trienal Ásia-Pacífico esteja estampado com o slogan otimista: “Arte que eleva você”. Mas isso acontece? Deveria?
A trienal, agora aberta na Queensland Art Gallery e na Gallery of Modern Art (Qagoma) em Meanjin/Brisbane, certamente tem alguma energia positiva; apresentando mais de 500 obras, de cerca de 70 artistas individuais e coletivos, há uma sensação de ressurgimento.
Também há otimismo – mas é do tipo quieto. Em toda a exposição, que abrange ambos os edifícios de Qagoma, há uma sensação de que os artistas se voltam para dentro e “cuidam dos seus jardins”: concentrando-se na comunidade, no país e no cosmos, e nos actos de ligação e cuidado necessários para nutri-los. As grandes crises humanitárias, ambientais e políticas, quando abordadas, tendem a ser implícitas e não expressas.
Este foco na comunidade e no cuidado resultou em alguns trabalhos suavemente alegres – e até mesmo em um jardim literal. No prédio da Queensland Art Gallery, os visitantes são recebidos no foyer por uma explosão de cor e geometria, com dois espaços de encontro especialmente construídos pelo coletivo Haus Yuriyal de Papua Nova Guiné, liderado pelo artista australiano Yuriyal Eric Bridgeman.
No centro de sua instalação está um Kamkau Ike (arquibancada) construída e decorada pelo coletivo, onde acontecerão apresentações no fim de semana de inauguração. Ao redor estão três falanges de brilhantes Kuman desenhos de (escudos), pintados e bordados pelos homens do coletivo, e inspirados nos escudos de luta tradicionais de suas tribos das terras altas. Há também uma série de tapeçarias gráficas brilhantes criadas por Alison Wel, um sinal tangível de como o coletivo, originalmente composto por homens, se expandiu para incluir mulheres. Do lado de fora, no Pátio de Esculturas da galeria, há uma horta de milho, cana-de-açúcar e bananas plantada pela mãe de Bridgeman, Veronica Gikope, que preparará os alimentos da colheita no fim de semana de inauguração.
Em todo o projeto da Haus Yuriyal há um sentimento de generosidade, alegria e acolhimento: são obras que convidam o espectador a se conectar. Mas o trabalho do coletivo trata fundamentalmente do autodesenvolvimento; Haus Yuriyal começou como um grupo de homens interessados em aprender e compartilhar conhecimentos, unindo-se em torno de Bridgeman quando ele começou a retornar às suas terras natais, na província de Jiwaka, há cerca de uma década.
A contribuição da Haus Yuriyal é um dos inúmeros projetos do trienal que nascem da prática cultural coletiva. Ao virar da esquina está um enorme tapete criado pelo Grupo de Mulheres Lepamahanga de Tonga, da aldeia Tu’anuku em Vava’u, Tonga, liderado pelo artista sênior e praticante cultural ‘Aunofo Havea Funaki. O tapete é lindo e seu artesanato surpreendente, mas assim como o projeto da Haus Yuriyal representa um ato de cuidado e transmissão cultural. Os habitantes da aldeia Tu’anuku são guardiões do Lago Ano, o maior ecossistema de água doce de Tonga, cujo cuidado envolve a colheita regular de kuta (castanha de água chinesa) que as mulheres tecem em esteiras. Funaki, que nasceu na aldeia, concebeu o projeto não apenas como uma obra de arte, mas como uma forma de fomentar a troca de histórias e conhecimentos entre mulheres.
Em frente ao tapete do Grupo de Mulheres Lepamahanga está a única referência oblíqua da exposição à guerra em Gaza: um mosaico de azulejos inspirado na geometria sagrada do Islão, da artista palestiniana-saudita Dana Awartani. Feitos de barro de adobe endêmico da terra natal de Awartani, elaborado sem o aglutinante usual, os azulejos apresentam fissuras que fazem referência à perda do patrimônio cultural pela guerra.
A guerra na Ucrânia, por sua vez, é abordada com ainda mais delicadeza: dentro de um conjunto de retratos e paisagens urbanas que retratam Hong Kong durante a Covid, feitos pelo pintor sênior Yeung Tong Lung, há uma pintura de um prédio de apartamentos em ruínas na Ucrânia, copiada de um jornal. foto. Se não tivesse sido apontado pelo curador principal da APT, Tarun Nagesh, eu não saberia o que estava vendo. “Ele está reconhecendo que Hong Kong também faz parte do mundo e é afetada pelo que está acontecendo no mundo”, disse-me Nagesh.
após a promoção do boletim informativo
Os artistas são muitas vezes lentos e sensíveis nas suas respostas às crises contemporâneas, diz Nagesh. “Você recebe respostas realmente interessantes dos artistas, mas nem sempre de imediato, e às vezes elas são sutis.”
Karla Dickens, uma artista e ativista ambiental de herança Wiradjuri, irlandesa e alemã, expressa de forma pungente a tensão entre o desejo de agir e reparar, e a sensação de ser esmagada pela magnitude dos danos, numa série de “totens” feitos de globos de plástico recuperados, amarrados com ráfia e barbante (mordidamente intitulados Mantendo tudo junto). Estes fazem parte de sua instalação maximalista As Above, So Below, que também apresenta uma série de trabalhos multimídia de “colagem” nos quais ela aborda as forças entrelaçadas da colonização e da devastação ambiental com a típica franqueza e sagacidade.
O artista maori Aotearoa/Nova Zelândia, Brett Graham, faz referência a temas semelhantes de forma mais indireta em uma série de obras dramáticas e monumentais na Galeria de Arte Moderna, que contêm referências codificadas às guerras do século 19 entre os colonos europeus e os militares britânicos, e Māori iwi ( tribos). Com exceção de uma imagem panorâmica em movimento na parede do átrio, que mostra explicitamente as indústrias extrativas nas terras dos Taranaki iwi, as obras não anunciam o seu tema – ele deve ser extraído do texto da parede.
Da mesma forma, a impressionante instalação no teto da artista australiana Jasmine Togo-Brisby, no andar de cima, em forma de corpo de um navio negreiro do século 19, está repleta de referências codificadas à história da escravidão na Austrália e à experiência de sua família: sua avó foi sequestrada em Vanuatu como ainda criança e levada para Sydney, onde foi “adquirida” por uma rica família industrial para trabalhar como empregada doméstica.
Nessas obras, e em inúmeras outras, os espectadores devem inclinar-se (às vezes literalmente) para ver e compreender detalhes cruciais. Em toda a APT, tanto para o público como para os artistas, o trabalho é silencioso e ponderado, muito relacionado com ouvir e apoiar-se. Há momentos de beleza e alegria – e, sim, até de elevação – mas a sua ressonância mais profunda está em modelar um senso de cuidado. Todos devemos cultivar nossos jardins.
